POLANSKI - VIDEO

POLANSKI-JPC from Joel Perea Carrillo on Vimeo.

LA PASIÓN DE JUANA DE ARCO (1928)

Afiche de la película 1928

La película la llevó a cabo en Francia el director danés Carl Theodor Dreyer quien materializó en su cinta la escena en que Juana de Arco es procesada por herejía por autoridades de la religión ortodoxa, militares y jueces severos que tienen por fin dar muerte a La Doncella de Orleans.

Si bien el filme pertenece al cine mudo, hay que destacar en Dreyer el uso de la imagen como canal de mensaje. Este se manifiesta, sobre todo, por el uso de los primeros planos en donde se exterioriza el carácter de los personajes. Por ejemplo los rostros expresan dramatismo, fuerza, odio, ardid, repudio, compasión, valentía, fe, constancia, sufrimiento y otros. Dreyer nos dice: “Nada es comparable al rostro humano. Es una tierra que uno nunca se cansa de explorar.”

Juana de Arco interpretada por Renée Jeane Falconetti

Por otro lado se identifica el empleo de símbolos, como la mosca, las lágrimas, el manto del cordero, la corona, la firma con la señal de la cruz, la escoba, las palomas, el niño que amamanta que juegan un papel importante en la cinta ya que de cierta forma despierta curiosidad de lo que podría significar. Y es claro que está asociado al pensamiento de Juana de Arco, a su pasión, a su sacrificio, a lo cristiano.

Es sorprendente el énfasis psicológico y místico del rostro, y sobre todo los ojos, de Juana de Arco (interpretado por Renée Jeane Falconetti). Una mirada que te atrae, te consume, que te pide que leas lo que no puede decirte en audio, que te abstrae y penetras en el personaje para experimentar lo sucedido. ¿Será que Dreyer quiso aquello? Creo que sí, con el afán no solo de experimentar una nueva idea de cine, sino también de sacudir al hombre: introspección.

Por último en la parte final de la película la heroína muere en la hoguera, martirio que la aterró al extremo de claudicar al mandato divino, pero pudo retractarse y llevar a cabo su designio. Aspectos morales y valores que se dictan al espectador en imágenes.

REBECCA

¿VAGABUNDO?

Charlie Chaplin es el referente principal del cine mudo y la comicidad en el siglo XX, en su película Charlot, Músico Ambulante o también denominado El Vagabundo realizada en 1916; observamos que el actor satiriza de cierta forma a los caballeros de la clase alta al vestir con su característico sombrero bombín, chaqueta y corbata desaliñada, grades zapatos y su bastón. Este personaje llamado Charlot traspasó fronteras y se volvió un icono de la historia del cine, el arte y también parte del pictograma de nuestra cultura actual.

Las películas de Chaplin no solo abordan temas sociales sino también propone abrir la mente de los ciudadanos de aquella época sistematizada ya sea por cuestiones políticas, económicas y culturales.

En la primera parte de este filme, Chaplin representa a un músico vagabundo que se gana la vida con su arte –el violín- pero también de su astucia, como en la escena donde toma el pelo a los burgueses al cobrarles por el espectáculo y de la misma manera a la banda musical, por la estafa que les afecta en lo económico.

Luego rescatamos en el personaje el surgimiento del sentido moral y los valores; como en la segunda parte, cuando Charlot huye con una mujer indefensa tras el maltrato físico y psicológico que recibe de una tira de gitanos. Será que los azotes propiciados a la doncella tratan de comunicar la subyugación de la mujer en aquel momento?

Por último, en el tercer segmento del film destaca el carácter benevolente, altruista y sentimental de Chaplin. El Vagabundo es una comedia que refleja su sentir y su proyecto por un mañana mejor, donde la risa podría ser un escape relativo de la vida sin sentido. Vagabundo?

EL LEGADO LUMIÈRE

El avance tecnológico que se manifestó a finales del siglo XIX con la invención del teléfono, la máquina de escribir, el automóvil, la iluminación eléctrica, el fonógrafo y entre otros, significaron la apertura hacia la modernidad, la industrialización, la actualización y el cambio permanente no solo en el desarrollo del hombre sino también dirigido a su entorno.

Los inicios del cine se sitúan también dentro de este contexto y tiene como antecedente más cercano la aparición de la fotografía en la década del cincuenta, al parecer es sensato señalar que el hombre no conforme con la imagen estática siempre aspiró al dinamismo, al movimiento, a la actividad de la realidad circundante, en una primera etapa y con posteridad sumergirse en la ficción y la fantasía. Thomas Edison es importante dentro de la historia del cine porque creó en 1894 el Quinetoscopio, máquina que dio los primeros pasos en proyectar movilidad, pero no tuvo gran proliferación pues lo que se emitía era de muy corta duración. Un año después Edison crea el Vitascopio, que proyectaba imágenes sin interrupciones pero fue demasiado tarde como para poder competir con el invento de dos hermanos franceses al otro lado del atlántico; habría que señalar que en 1897 el Vitascopio hizo su ingreso al Perú, pero solo se logró proyectar imágenes y no un film. Un antecedente de igual importancia es el neoyorquino George Eastman quien fue el creador del rollo de película y fundador de la compañía Kodak.

Los hermanos Lumière son considerados por muchos críticos los padres del cine, siendo de gran vitalidad el invento del Cinematógrafo (1895), la primera máquina que lograba generar una filmación y proyectar imágenes en movimiento. En el mismo año se llevó a cabo una exhibición del trabajo realizado por los hermanos que constaba de 10 películas con una duración de 20 minutos. La primera película se le titula La Salida de los obreros de la Fábrica Lumierè, luego Riña de Niños, La Fuente de las tullerías, La llegada de un Tren, El Regimiento, El Herrero, La Partida de Naipes, La Destrucción de las Malas Hierbas, Derribo de un Muro y El Mar. En ellas se puede identificar el carácter documental de su film, mostrando escenas de la vida cotidiana no solo de Francia sino también de otros países. Además se puede apreciar el manejo de la cámara y las particularidades  de sus técnicas, como el filmar en primer plano o en diagonal para obtener perspectiva; realizaron el primer film cómico con la incorporación de El Regador Regado y contribuyeron al desarrollo del montaje y la edición al juntar cuatro films de su autoría. Todo un legado para la evolución del cine, un cine sin fronteras.

Hermanos Lumière

Cinematógrafo